Crónica: Triángulo de Amor Bizarro + Reno, concierto en Valencia (27-02-2015)

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Isa Cea, cantante y bajista de Triángulo de Amor Bizarro, durante su concierto de anoche.
Fotografía de @FestivalesInfo.


El SanSan Festival de Gandía organizó anoche una de sus diversas fiestas de presentación en la sala Wah Wah de Valencia. Los gallegos Triángulo de Amor Bizarro, bastante asiduos a nuestra ciudad, fueron los invitados principales de una velada que también contó con la banda local Reno, que fue la encargada de abrir fuego alrededor de las 22:45.


Reno, en concierto en la sala Wah Wah.
Fotografía de @RenoMusica.

El cuarteto valenciano Reno es un proyecto formado por el cantautor Manolo Tarancón y antiguos integrantes de los ya desaparecidos Torre de Control (cuyo debut ‘El Club de los Ausentes’, por cierto, reseñamos hace algunos años). Se trata de una banda que cumplió sobradamente y creo que sorprendió a más de uno con su apreciable pop de guitarras que combina temas de indie bailable al estilo de Lori Meyers o Supersubmarina (‘Selección Natural’, ‘Despedidas’ o ‘Ruido’) con otros de un corte más Planetas (‘Espiral’ o ‘El Mejor Forrest Gump’, un tema que recuerda a la estupenda ‘Reunión En La Cumbre’ de los granadinos).

De su concierto destacaría ‘A Tu Manera’ (su mejor canción desde mi punto de vista), la arriesgada y acertada ‘Fiesta Editorial’ y la revisión más cañera que realizaron de ‘Un Día Especial’ de los propios Torre de Control.

La anécdota de su actuación ocurrió cuando al cantante y guitarrista Sergio Sanisidro se le rompió una cuerda de su instrumento. Rápidamente el músico solventó el contratiempo yendo a los camerinos a pedirles una guitarra a Triángulo de Amor Bizarro mientras Manolo Tarancón, con muchas tablas, amenizaba estos instantes arrancando en solitario el tema ‘Copa Rota’ hasta que toda la banda estuvo lista para concluir la canción a la vez. Cabe señalar también que ‘Zippo’, teclista de TAB, tuvo la enorme amabilidad de cambiarle la cuerda a la guitarra de Sergio en el backstage y salir a devolvérsela por si quería seguir tocando con su propio instrumento, gesto que éste agradeció. Un aplauso pues por la profesionalidad y el buen rollo entre ambos grupos.


Triángulo de Amor Bizarro, en concierto en la sala Wah Wah.
Fotografía de @SepiaVLC.

Pasada la medianoche, y tras la pertinente (y algo tróspida) presentación del SanSan Festival a cargo de uno de sus responsables, Triángulo de Amor Bizarro saludaron al público (“Os traemos fuego y petardazos, que es lo que os gusta”) y arrancaron su actuación a tope descargándonos ‘La Malicia De Las Especies Protegidas’, ‘El Himno De La Bala’ y un nuevo tema que, eso sí, sonó algo desajustado al principio porque al parecer el cuarteto no se escuchaba bien desde los monitores.

El combo formado por ‘Un Rayo De Sol’ y ‘Delirio Místico’, que acertadamente interpretan del tirón para remarcar bien el cambio de ritmo, sonó arrollador; y para cuando cayeron ‘Robo Tu Tiempo’, ‘Estrellas Místicas’, ‘El Fantasma De La Transición’ o ‘Ellas Se Burlaron De Mi Magia’ la locura ya había estallado y la sala se había convertido en un pogo generalizado, como así debe ser en un concierto de estas características.

Otra novedad, una canción muy rítmica y destroyer a la que habrá que prestar atención en su versión de estudio, antecedió una recta final desbocada y ruidosísima en la que TAB interpretaron ‘De La Monarquía A La Criptocracia’, ‘Isa vs El Partido Humanista’ (un tema tan alocado como aclamado), ‘Amigos Del Género Humano’, ‘¿Quiénes Son Los Curanderos?’ y ‘El Crimen: Cómo Ocurre Y Cómo Remediarlo’.

El concierto de Triángulo de Amor Bizarro tampoco estuvo exento de incidentes, ya que al parecer Rafa rompió uno de los platos de su batería, provocando un momento de incertidumbre que el grupo afrontó como no puede ser de otra manera: ‘al toro y pa’lante’. Podéis ver el setlist de la noche pinchando aquí (es gracioso que identifican las canciones no por su nombre, sino por palabras clave).

Como apuntaron a comienzos de año en su perfil de Facebook, TAB esperan tener listo su cuarto álbum antes de que finalice 2015, por lo que no transcurrirá demasiado tiempo antes de que vuelvan a visitarnos, seguramente con nuevos temazos bajo el brazo. Y allí estaremos de nuevo para disfrutar de su bendito ruido.

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Atacan el ‘Joshua Tree’ de U2 en el desierto de Mojave

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Fotografía de la rama cortada del Joshua Tree de U2.

‘The Joshua Tree’, la obra cumbre de U2, toma su nombre del apelativo que reciben los escasos árboles que crecen en el desierto de Mojave, en California, ya que por su fisonomía se asemejan, según los primeros pobladores mormones de la zona, a las manos orantes del profeta Josué, que imploraba a Dios elevándolas al cielo.

A finales de 1986 el cuarteto irlandés viajó hasta este solitario rincón de la geografía estadounidense para inspirarse de cara a su quinto álbum. Allí, hospedados en pequeños moteles de carretera, rodeados de pueblos fantasma y sin más vistas que las de esta inhóspita y extensa llanura, compusieron su mejor disco y uno de los trabajos clave de la década de los 80.

Como suele pasar con los álbumes más importantes de la historia del rock, el artwork y la iconografía de las carátulas son recordados en muchas ocasiones tanto como las canciones por su representatividad. Este es uno de esos casos, ya que el ‘Joshua Tree’ no solamente dio nombre al disco y un trasfondo mesiánico a la música de la banda, sino que además quedó retratado por el conocidísimo fotógrafo Anton Corbijn, dándole al disco cierta ‘fisicidad’ y a los fans un icono y un lugar de culto.


Fotografía de Anton Corbijn para ‘The Joshua Tree’ de U2.

El caso es que ese icono, el ‘Joshua Tree’, ha sido ultrajado. Así lo recoge la web www.atu2.com, en la que el usuario ‘Hwy 190’, que lleva visitando el lugar asiduamente durante 20 años, explica lo que descubrió el pasado domingo:

“El pasado domingo hice con mi perro mi tradicional excursión al Árbol para rememorar (el disco) y me di cuenta de que alguien lo había atacado y había decidido que era una brillante idea serrar una de sus ramas y cortar una sección de alrededor de una pulgada de grosor, evidentemente para llevársela de recuerdo. ¡¿Estás de coña?! Todavía no me hago a la idea de lo patético que es eso. Es realmente difícil de imaginar que alguien esté tan motivado como para adentrarse tanto en el desierto y cometer una fechoría tan egoísta.”

El fan hizo una fotografía del acto vandálico (la imagen que encabeza este post) y dejó un mensaje: “Dejad el maldito árbol en paz para que los futuros fans puedan disfrutarlo. Si lo dejáis, el árbol permanecerá durante décadas y décadas.”

El desierto de Mojave es además un área protegida en la que la tala está terminantemente prohibida, por lo que este lamentable incidente cobra aún mayor gravedad. Yo sólo digo una cosa: Hay que ser desgraciado…

Para compensar una noticia tan lamentable, y como no me gusta ser típico, os dejo con una de mis canciones preferidas de ‘The Joshua Tree’ que no, no es ni ‘Where The Streets Have No Name’, ni ‘With Or Without You’, ni ‘I Still Haven’t Found What I’m Looking For’, sino este maravilloso ‘In God’s Country’ acompañado de imágenes del desierto de Mojave:

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U2 – ‘In God’s Country’

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‘Feels Dead’ avanza el nuevo disco de Mujeres, titulado ‘Marathon’

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El aviso nos llegó vía Twitter hace unos días y no hemos podido resistirnos a compartirlo con todos vosotros. Una de nuestras bandas nacionales preferidas, los catalanes Mujeres, se encuentran a puntito de sacar del horno su tercer disco titulado ‘Marathon’. Y como no podía ser de otra manera nos hacen calentar motores y hacernos morder las uñas con ‘Feels Dead’, un primer adelanto rompesuelas y pegadizo como pocos. Habemus nuevo hitazo del grupo:

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Videoclip de ‘Feels Dead’, de Mujeres.

Esperamos poder ver a Mujeres pronto presentando su nuevo trabajo por nuestra tierra. Sus conciertos son sudor y diversión garantizados.

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Built To Spill presentan ‘Living Zoo’, primer adelanto de su nuevo álbum

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En mayo llegará a las tiendas ‘Untethered Moon’, el nuevo disco de Built To Spill tras seis largos años de silencio, y ya conocemos su primer adelanto: ‘Living Zoo’.

No hay duda de que se trata de una gran canción. Sonidazo, guitarreo, punteos, coros y por supuesto la característica voz de Doug Martsch y su pasmosa facilidad para crear buenas melodías. La manera con la que se va acelerando el tema hasta que de pronto se entonan los primeros versos con un tempo más dulce es crème de la crème:

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Built To Spill – ‘Living Zoo’

Estos veteranos del indie rock resisten las modas y, por lo que oímos, se mantienen en forma. En tres meses saldremos de dudas.

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Películas: ‘Whiplash’ (2014)

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Miles Teller y J.K. Simmons, alumno y profesor, durante una escena de ‘Whiplash’.


Se acercan los Oscar y, comprobando su ristra de nominaciones, salta a la vista la presencia de ‘Whiplash’, una película de bajo presupuesto que ha sido aclamada en todos los certámenes en los que ha sido proyectada y que opta nada menos que a cinco estatuillas, incluyendo la de mejor película. El film es de temática musical, por lo que no podíamos dejar pasar la ocasión de verla, reseñarla y recomendárosla ya que merece, y mucho, la pena.

‘Whiplash’ nos cuenta la historia de Andrew Neiman, un joven alumno de primer año del prestigioso conservatorio Shaffer de Nueva York que aspira, por encima de todo, a convertirse en el mejor baterista de jazz del mundo. Sus capacidades no pasan desapercibidas para Terence Fletcher, el profesor más severo de la escuela, quien tras sorprender a Andrew practicando de noche en un aula le invita a formar parte de la banda de estudio que él mismo dirige. Sabiendo que es su gran oportunidad para seguir aprendiendo, destacarse y triunfar, Andrew acepta iniciando de este modo un capítulo de exigencia extrema en su vida.


Fotograma de ‘Whiplash’.
No es solamente sudor lo que derraman los alumnos del profesor Fletcher en esta película…

‘Whiplash’ es una especie de cruce entre ‘La Chaqueta Metálica’ y ‘Cisne Negro’. El implacable profesor Fletcher, encarnado por un deslumbrante J.K. Simmons, recuerda al sargento Hartman de la película de Kubrick: inflexible, iracundo, insensible, violento… Hay escenas en las que causa auténtico pavor.

Por su parte el alumno Andrew Neiman (Miles Teller), muestra paralelismos tanto con el recluta ‘Patoso’ (pasa de la inocencia y la ilusión a la obsesión más irracional) como con la bailarina a la que dio vida Natalie Portman en el film de Aronofsky, ya que vive únicamente para tocar la batería, se aísla de todo lo que le rodea, es celoso de los otros músicos y lleva al límite su afán de superación.

Es obvio pues que gran parte del mérito de ‘Whiplash’ recaiga con todo merecimiento sobre sus dos actores protagonistas, ya que el duelo interpretativo profesor-alumno es impagable, hasta el punto de que J.K. Simmons suena como favorito para llevarse el Oscar a mejor actor secundario.

El otro gran aplauso debe dirigirse hacia el director Damien Chazelle por hacer de un guión tan sencillo y aparentemente trillado (la típica historia de superación, pueden pensar muchos) una película tan interesante y tensa potenciada por un montaje de infarto y casi siempre en consonancia con la banda sonora. ‘Whiplash’ además logra una conexión ‘física’ con el espectador, que es capaz de sentir el agotamiento, la presión, la angustia e incluso el sudor de los pupilos de Fletcher.

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Towson State University Jazz Ensemble – ‘Whiplash’ (Hank Levy)
Esta es la canción que da nombre a la película y que trae de cabeza al alumno Andrew Neiman.

No os perdáis pues ‘Whiplash’, una de las sorpresas más agradables de la temporada. Grandes actuaciones, ritmo trepidante y un estupendo vehículo para acercar el mundo del jazz a la audiencia.

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Guadalupe Plata presenta ‘Calle 24’, primer adelanto de su nuevo disco

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Los geniales Guadalupe Plata vuelven a la carga y lanzarán su nuevo álbum el próximo 16 de marzo. Esta nueva publicación, que como es costumbre en el grupo no tendrá título, viene precedida del single ‘Calle 24’, un tema que no es otra cosa que una fantástica versión en forma de blues nervioso de una conocida canción infantil (“En la calle-lle veinticuatro-tro…”, ¿ya os suena?). Su correspondiente videoclip, rodado en clave de película de serie B, también es curioso de ver:

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Videoclip de ‘Calle 24’, de Guadalupe Plata.

Este nuevo disco del trío andaluz viene acompañado además de una extensa gira nacional que les mantendrá ocupados toda la primavera. En Valencia aterrizarán justo después de Fallas, el 21 de marzo (sala Wah Wah); buena ocasión para verlos en directo pues. Podéis consultar el resto de ciudades y de fechas en la página web de la banda pinchando aquí.

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Reseña: Viet Cong – ‘Viet Cong’

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Viet Cong son un cuarteto de Calgary formado a partir de la reconstrucción de Women, otra banda canadiense que cesó su actividad en 2012 a causa de la muerte de su guitarrista Christopher Reimer. El primer álbum del grupo, llamado ‘Viet Cong’ como ellos, es una de las primeras y agradables sorpresas de este 2015.

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Viet Cong –‘Silhouettes’

En ‘Viet Cong’ se dan de la mano post-punk con toques de rock gótico, new wave y noise rock creando un cóctel que logra al mismo tiempo sorprender y atrapar al oyente, que ya es mucho decir. Y pese a que estos estilos son eminentemente ochenteros, el grupo afirma haberse inspirado en la música experimental de los ’70 y, sobre todo, en la ‘Trilogía Berlinesa’ del gran David Bowie (‘Low’, ‘Heroes’ y ‘Lodger’).

Dos de las principales características del álbum son su brevedad (apenas 7 canciones en poco más de media hora) y que va indudablemente de menos a más, lo que hace que transcurra en un suspiro y que quieras volver a escucharlo al terminar.

Otro aspeto a destacar es que las canciones de Viet Cong no son precisamente agradables: son tensas, oscuras, extrañas y buscan incomodar. Los tres primeros cortes del disco cumplen muy bien este cometido de ‘zarandear’ al oyente para desubicarlo y empequeñecerlo bajo sus sombras. ‘Newspaper Spoons’ nos presenta al grupo a través de una intro marcial y robótica que da paso a la enmarañada ‘Pointless Experience’ hasta llegar a la imprevisible ‘March Of Progress’, un tema verdaderamente sorprendente que arranca con un pasaje ambiental muy krautrock, se toma un respiro mediante un extraño puente lleno de coros, arpegios y un ritmo palpitante semejante a los latidos de un corazón, y despega definitivamente en una recta final luminosa e hiperexcitada que jamás esperarías, dejándote totalmente a cuadros.

Las siguientes tres canciones son tal vez las más directas y ‘accesibles’ del álbum, y se trata sin duda de buenos temas a los que agarrarse en la primera escucha. ‘Bunker Buster’ recoge el legado de las guitarras punzantes made in Gang Of Four mientras que la bella y turbia ‘Continental Shelf’ y la tremenda ‘Silhouettes’ se agarran a lo mejor del post-punk, recordando también los momentos más acertados de bandas contemporáneas como Interpol o Editors, aunque desde una perspectiva algo más sombría y agresiva.

‘Death’ cierra el disco dándonos un zarpazo en toda la cara. Se trata de un tema de nada menos que once minutos que va creciendo poco a poco en intensidad hasta convertirse en una enorme apisonadora densa y ruidosa que, justo cuando parece que va a aplastarte, se transforma en un febril delirio bailable. Eso sí, el grupo recupera la rabia en las últimas y violentas embestidas de la canción.

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Videoclip de ‘Continental Shelf’, de Viet Cong.

Notable debut el de estos canadienses y una magnífica muestra de que el manido post-punk, bien manejado, todavía puede formularse con acierto para crear discos tan buenos como este. Viet Cong demuestran personalidad, magnetismo, versatilidad y una enorme capacidad de sorpresa en un disco de ambiente genuinamente ochentero que fans de bandas como Joy Division, The Cure o Bauhaus apreciarán.

Todavía estamos en febrero y aún es pronto para sacar conclusiones, pero su primer álbum podría considerarse uno de los mejores debuts del año. Tal vez le falta algún hit radiable para poder levantar la cabeza y mostrarse al mundo, pero sinceramente ni creo que lo busquen ni creo que les haga falta porque además ‘Viet Cong’ se disfruta más en conjunto que por canciones sueltas. Nosotros les damos nuestra bendición.

El veredicto:
Lo mejor: ‘March Of Progress’, ‘Continental Shelf’, ‘Silhouettes’, ‘Death’

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Paul Weller – ‘White Sky’

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Paul Weller está de vuelta y viene con single bajo el brazo. ‘White Sky’ es el primer adelanto de ‘Saturn’s Pattern’, el nuevo disco del músico británico que verá la luz el próximo 11 de mayo.

Hay que decir que en este tema el Modfather se plagia a sí mismo. Los más fans del artista notaréis que se trata de una versión de ‘Flame-Out!’, una canción que publicó en el Record Store Day de 2013. En esta ‘reconstrucción’ del tema Weller cambia parte de la letra y le da un ritmo más pesado y bluesero manteniendo eso sí la esencia de la melodía y su carácter rockero.

Os dejamos con las dos para que las comparéis y establezcáis los parecidos y las diferencias:

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Paul Weller – ‘White Sky’

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Paul Weller – ‘Flame-Out!’

¿Cuál os gusta más? ¿Pensáis que Weller ha mejorado o ha empeorado la canción?

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