Arranca el Surforama 2015 en La Rambleta de Valencia

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Esta noche comienza en la sala La Rambleta de Valencia la 12ª edición del Surforama, un festival de rock & roll que no para de crecer año tras año y que en esta ocasión ofrece conciertos exclusivos como el de David Marks (guitarrista de The Beach Boys), el del cantante de R&B Barrence Whitfield (acompañado de los Mambo Jambo), o la reunión de los escoceses The Kaisers, que ofrecerán en Valencia su único concierto del año.

Los croatas The Bambi Molesters, los mexicanos Lost Acapulco y los brasileños The Deadrocks completan el apartado internacional del festival, mientras que Wau y Los Arrrghs!, 13th Magic Skull, The Longboards, Mario Cobo y Els A-Phonics ponen la nota nacional de un cartel que divide sus actuaciones entre hoy, viernes 22 de mayo, y mañana sábado 23, siempre a partir de las 20:00.

Además, mañana al mediodía tendrá lugar a partir de las 13:00 en la terraza de La Rambleta el tradicional aperitivo musical del Surforama, con un concierto gratuito que correrá a cargo de The Limboos y con la posibilidad de degustar cocktails y comer paella.

La oferta del festival se completa con exposiciones, tenderetes de ropa surfera y vintage, puestos de vinilos y DJs para amenizar los prolegómenos y las postrimerías de los conciertos.

El abono cuesta 55 euros y la entrada de día 30. Para más información (horarios, venta de entradas, ubicación…) os remitimos a la web oficial del festival, a la que podéis acceder pinchando aquí. Si sois amantes de las guitarras playeras y lo retro no os lo podéis perder.

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The Kaisers – ‘Sugar Babe’


Cartel del Surforama 2015.

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Reseña: Wand – ‘Golem’

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Apenas han transcurrido unos meses desde que Wand nos sorprendiera con ‘Ganglion Reef’, un buen disco que se subía a la nueva ola de psicodelia que impregna en gran medida el rock alternativo actual.

Parece que el grupo no ha querido desaprovechar ni las expectativas que levantó su debut ni su estado de inspiración y se ha lanzado de nuevo al estudio para dar a luz ‘Golem’, un segundo trabajo que, manteniendo las señas de identidad del grupo, potencia su faceta más rockera.

En este nuevo álbum de Wand los ritmos son más pesados, los riffs son más duros y la mayoría de las canciones suenan más potentes y metálicas, teniendo siempre como contrapunto las etéreas y limpias melodías de unas voces que le dan un contrapunto pop bastante equilibrado. Suenan como unos Tame Impala heavies.

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Wand – ‘Self Hypnosis In 3 Days’

El esqueleto del disco lo forman la sabbathiana ‘Cave In’, la musculosa ‘Floating Head’ que sorprende con una estupenda jam de guitarras respondiéndose justo en medio de la canción, y por supuesto ‘Self Hypnosis In 3 Days’, un auténtico trallazo tan contundente como pegadizo, lleno de aristas e inesperados cambios de ritmo.

El toque más heavy lo pone la oscura y pantanosa ‘Planet Golem’, de un ritmo tan pesado que impone, mientras que la calma llega de la mano de la hermosa y onírica ‘Melted Rope’, una balada espacial comandada por guitarras acústicas y sintetizadores.

Notable esfuerzo una vez más el de Wand, quienes además se encuentran esta semana en España presentando en directo ‘Golem’ (ayer estuvieron en Barcelona, hoy en Madrid, y mañana harán lo propio en San Sebastián). Hay que prestarles la atención que merecen.

El veredicto:
Lo mejor: ‘Self Hypnosis In 3 Days’, ‘Melted Rope’, ‘Floating Head’

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Reseña: Blur – ‘The Magic Whip’

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Desde que Blur volvieron a reunirse en 2009 para ofrecer algunos shows veraniegos, raro ha sido el año en el que no se han reencontrado, bien para actuar en algún que otro festival o bien para publicar singles sueltos (‘Fool’s Day’, ‘The Puritan’, ‘Under The Westway’). Esta actividad siempre ha sido puntual, simplemente para hacer algunos bolos, ya que sus miembros estaban inmersos en sus propios proyectos individuales, ya fuesen musicales (caso de Damon Albarn y Graham Coxon) o no (Alex James se dedicó a fabricar quesos en su granja, mientras que Dave Rowntree trabajaba como informático).

Nadie se habría extrañado si este verano Blur hubieran aparecido en el cartel de un par de festivales; lo sorprendente ha sido la inesperada publicación de ‘The Magic Whip’, el primer disco en 12 años de la banda, un regreso que, a decir verdad, nadie demandaba pero al que nadie ha hecho ascos tampoco.

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Videoclip de ‘Lonesome Street’, de Blur.

La gestación de ‘The Magic Whip’ fue tan casual como espontánea. En 2013 Blur tenían que tocar en el Tokyo Rocks Music Festival, pero el evento fue cancelado en el último momento sin que los organizadores dieran explicaciones al respecto y la banda tuvo que pernoctar en Hong Kong durante 5 días sin nada más que hacer salvo componer. Y eso mismo hicieron: alquilaron un pequeño estudio en la ciudad y grabaron horas y horas de jams e ideas improvisadas. Fue el guitarrista Graham Coxon quien, convencido de que el material era bueno, se dedicó a organizarlo, pulirlo y extraer lo verdaderamente aprovechable de estas sesiones en compañía del productor Stephen Street y con el beneplácito del propio Damon Albarn, que en ese momento estaba trabajando en su debut en solitario (‘Everyday Robots’) al margen de Gorillaz y The Good, The Bad & The Queen. Fue tras este álbum cuando Albarn viajó por su cuenta de nuevo a Hong Kong para revivir aquellos días, escribir las letras de las canciones y, en definitiva, reactivar de nuevo Blur.

La pregunta del millón es: ¿Ha merecido la pena este regreso? Si y no. ‘The Magic Whip’ es un disco digno y con momentos interesantes, pero carece de canciones realmente brillantes y resulta irregular, e incluso a ratos plomizo.

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Videoclip de ‘There Are Too Many Of Us’, de Blur.

Musicalmente es variado, con temas que remiten tanto a los Blur divertidos de los ’90 (la pegadiza pero algo desganada ‘Go Out’, la guitarrera ‘I Broadcast’, la buenrollera ‘Ong Ong’ y especialmente la notable ‘Lonesome Street’) como a la madurez más sosegada y experimental de sus últimos trabajos y de Albarn en solitario. El problema es que falta frescura. Varias canciones se enquistan en su propia melodía sonando planas y repetitivas, cuando no directamente olvidables (‘New World Towers’, ‘Ice Cream Man’, ‘My Terracotta Heart’, ‘Ghost Ship’).

A diferencia de estos temas aburridos y apáticos, hay otra serie de canciones en ‘The Magic Whip’ algo mejores que, también siendo lentas, suenan más solemnes y sentidas, reforzando conceptualmente un álbum que trata de transmitir la sensación de alienación, soledad, artificio y hermetismo de Hong Kong y otras grandes urbes asiáticas. Hablo de ‘Thought I Was A Spaceman’ y ‘Pyongyang’, ambas con un gran poder ambiental, la marcial ‘There Are Too Many Of Us’ y la crepuscular ‘Mirrorball’. No son nada del otro mundo, pero sí rescatables en un disco aceptable que sin embargo raya demasiadas veces la intrascendencia y que va a ocupar un lugar meramente anecdótico en el conjunto de la discografía de Blur pese a que ha sido recibido con aplausos y una euforia colectiva a todas luces exagerada.

Ni desastroso ni triunfal, simplemente un regreso más.

El veredicto:
Lo mejor: ‘Lonesome Street’, ‘Thounght I Was A Spaceman’, ‘There Are Too Many Of Us’, ‘Ong Ong’

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Danae Stratou, mujer de Varoufakis, la chica del ‘Common People’ de Pulp

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“She came from Greece, she had a thirst for knowledge,
She studied sculpture at Saint Martin’s College”

Estos son los primeros versos de ‘Common People’, la conocida canción de la banda inglesa Pulp y uno de los himnos por excelencia del britpop. El dato no tendría mayor relevancia de no ser porque, al parecer, ya se ha resuelto el misterio que giraba en torno a esa intrigante chica bien que quería ser normal: se trata de Danae Stratou, la mujer del ministro de finanzas griego Yanis Varoufakis.

Vayamos dato por dato:

1. Danae Stratou es griega (“she came from Greece…”).

2. Danae Stratou, como dice la canción, estudió arte y diseño en el Central Saint Martin’s de Londres entre 1983 y 1988, el mismo año y en la misma universidad en la que Jarvis Cocker, aprovechando un parón con su banda, comenzó sus estudios de cine. Es decir, que es muy probable que coincidieran (allí los estudiantes intercambian disciplinas durante quincenas) y se conocieran en la fiesta en la que arranca la canción.

3. Danae Stratou no solo coincidió en la misma universidad que el cantante de Pulp, sino que se especializó en escultura (“she studied sculpture…”). El propio Yanis Varoufakis lo confirma en la siguiente entrevista, apuntando además que era la única griega que cursó escultura en el St. Martin’s por aquel entonces (“I do know that she was the only Greek studying sculpture at St. Martin’s at that time…”, minuto 00:30, pinchad aquí).

4. En otro fragmento de ‘Common People’ Jarvis asegura que los padres de esa chica están forrados de dinero (“She told me that her dad was loaded”), y así es, pues el padre de Danae Stratou es un importante empresario y su madre es una galerista de arte.

5. Por último, el estribillo del tema, que además le da el título a la canción, proviene directamente de una frase de Danae Stratou, quien en el fugaz encuentro que mantuvo con Jarvis en la fiesta le comentó que quería mudarse al humilde barrio de Hackney para “vivir como la gente normal” (o lo que es lo mismo, el celebrado “I want to live like common people”).

El propio Yanis Varoufakis, al ser preguntado al respecto, se ha limitado a sonreír y a comentar que no tiene nada que decir al respecto… Quien calla, otorga.

Tal vez sí, o tal vez no, pero los datos ahí están y no deja de ser curioso que al fin se haya desvelado la identidad de la musa inspiradora del celebérrimo ‘Common People’ de Pulp.

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Pulp – ‘Common People’

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Reseña: Mikal Cronin – ‘MCIII’

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‘MCIII’ es el título del tercer trabajo en solitario del guitarrista Mikal Cronin, amigo, fiel escudero y músico tanto de directo como de estudio de una de las grandes figuras del garage rock actual, Ty Segall.

Pese a que sus coordenadas musicales son similares, podría decirse que Ty Segall y Mikal Cronin son complementarios: Ty es el desenfreno y la espontaneidad, el rock y la distorsión, el lado salvaje de una moneda que tiene en su otra cara el gusto por la melodía y el carácter más intimista, clásico y contenido de Mikal, que explota el lado más pop de su guitarra.

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Mikal Cronin – ‘Gold’

Tan solo hay que escuchar ‘Turn Around’, el primer corte de ‘MCIII’, para darnos cuenta de la evolución que ha experimentado Cronin en apenas cuatro años, ya que ha pasado de la pátina lo-fi de su primer álbum a composiciones mucho más trabajadas y con un sonido más nítido y rico. El muro de sonido de este tema, lleno de violines preciosistas y guiado por un piano que acompaña en todo momento la melodía principal, resulta impresionante y eleva la emotividad de la canción emparentándola (salvando las distancias) con los primeros Arcade Fire, una conexión que también podría establecerse en el épico clímax de ‘Feel Like’.

Otro de los datos a comentar de ‘MCIII’ es el tono ligeramente más introspectivo que adopta Cronin en todo el disco en general y en varias canciones en particular. Por su forma de cantar siempre parece que esté sincerándose, contándonos algo desde muy adentro; el propio artista muchas veces ha comentado que sus canciones suelen ser autobiográficas. Esta desnudez es aún mayor aquí, ya que dedica toda la segunda cara del álbum a hablar veladamente de diferentes etapas y sentimientos de su juventud, permitiendo que nos encontremos con piezas como ‘I’ve Been Loved’, ‘Alone’ o ‘Different’, crudas aunque no especialmente destacables musicalmente hablando…

Pero si algo tiene Mikal Cronin es una innata capacidad para parir varios temazos por disco. En ‘MCIII’ los focos se posan incuestionablemente sobre ‘Made My Mind Up’, ‘Gold’ y la sucia ‘Ready’, probablemente el tema más punk de la carrera de Cronin en solitario. Melodías pegadizas, buenos riffs, electricidad, energía… El enamoramiento es instantáneo.

Luego también están los típicos temas que huelen a relleno pero que están bien resueltos y no llegan a molestar, como la convencional ‘Control’ o la algo mejor ‘Say’, una canción que sale a flote gracias a su intensidad instrumental y sus buenos punteos de guitarra. Nada imperdonable.

En definitiva un buen disco, imperfecto y no tan redondo como el muy notable ‘MCII’ pero más que apreciable y con varias canciones de esas que habría que llevar encima a todas partes.

El veredicto:
Lo mejor: ‘Turn Around’, ‘Made My Mind Up’, ‘Gold’, ‘Ready’

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Reseña: Twerps – ‘Range Anxiety’

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Los australianos Twerps irrumpieron en el panorama indie hace ya algunos años, sin demasiado calado mediático. Ha sido ahora con su nuevo álbum ‘Range Anxiety’, su tercer esfuerzo discográfico, cuando parece que han conseguido hacerse un merecido hueco a base de buenas canciones.

La evolución de Twerps ha sido continua y en ‘Range Anxiety’, siguiendo fieles a su estilo, mejoran en todos los aspectos: suenan mejor y encima se muestran indiscutiblemente inspirados, lo que se traduce en mejores temas, alguno de ellos perfectos en su género.

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Videoclip de ‘Back To You’, de Twerps.

La primera mitad del álbum es prácticamente redonda. La intro instrumental a órgano de ‘House Keys’ deja paso a la reposada y cálida ‘I Don’t Mind’, un tema que funcionaría a las mil maravillas como banda sonora de una apacible siesta de verano tumbados en la hierba, viendo pasar las nubes de un día claro. Mucho más jovial, pero igual de luminosa, se muestra la excelente ‘Back To You’, uno de los mejores temas de pop que quizás se publiquen en todo el año y tremendamente identificable gracias a ese teclado tan juguetón y omnipresente.

Este par de temas resumen a la perfección la personalidad musical del grupo: canciones sencillas y ‘caseras’, una instrumentación nada estridente comandada siempre por guitarras jangle (deliciosos los punteos y los limpios rasgueos de ‘New Moves’, ‘White As Snow’ o ‘Simple Feelings’), y un carácter juvenil a medio camino entre la euforia, la melancolía y una inocencia que se subraya cuando es Julia MacFarlane, la presencia femenina de la banda, la que toma las riendas de las voces acercando el grupo a Veronica Falls, como en ‘Stranger’ o en la cándida ‘Shoulders’.

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Twerps – ‘New Moves’

El mayor bache del disco lo encontramos en su segunda mitad, cuando nos vienen seguidas sus tres canciones más flojas: la sosa ‘Adrenaline’, la algo más oscura y cercana al post-punk ‘Fern Murderers’, y una ‘Cheap Education’ reiterativa cuyas estrofas parecen un reciclaje de la propia ‘Back To You’.

Por fortuna Twerps retoman el pulso en la desnudez acústica de ‘Love At First Sight’, en la que se aproximan a los Libertines más crudos, y sobre todo en la maravillosa ‘Empty Road’, una canción que te agarra y te mantiene expectante a medida que va creciendo, poniéndole un buen broche a un álbum tan notable como cautivador y agradable.

‘Range Anxiety’ se postula como uno de los grandes triunfadores del año en el apartado de indie pop. ¿Sus argumentos? Prácticamente tantos como canciones, que al final es lo que cuenta.

Twerps actuarán el 28 de mayo en el Primavera Sound de Barcelona. Su concierto debería ser una cita obligada para los asistentes, ya que la banda está en su momento.

El veredicto:
Lo mejor: ‘I Don’t Mind’, ‘Back To You’, ‘New Moves’, ‘Shoulders’, ‘Empty Road’

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Reseña: Alabama Shakes – ‘Sound & Color’

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Brittany Howard, cantante y guitarrista de Alabama Shakes.

Hace tres años los entonces desconocidos Alabama Shakes sorprendieron a propios y extraños con ‘Boys & Girls’, un notable debut que reivindicaba con acierto el rock de tintes sureños. Antes del enorme éxito en todo el mundo de este trabajo su líder, la carismática Brittany Howard, una cantante de soul con gusto por el hard rock clásico (AC/DC, Black Sabbath, Led Zeppelin), comandaba una simple banda de versiones en su pueblo natal de Georgia, EE.UU. Mucho ha cambiado el sino de esta formación, cuyo segundo álbum ‘Sound & Color’ levanta ahora verdadera expectación.

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Alabama Shakes interpretando en directo ‘Don’t Wanna Fight’.

Dos eran las principales cuestiones en torno a ‘Sound & Color’: si iba a ser, al menos, tan destacable como su obra predecesora, y si el grupo iba a poder aportar algo más a su sonido o iba a consolidarse simplemente como una banda revisionista (cosa que tampoco está nada mal si se hace bien, como ya habían demostrado).

La respuesta a la segunda pregunta se responde ya desde las primeras canciones del álbum. La propia ‘Sound & Color’ se trata de un tema en clave soul minimalista y ambiental, con una instrumentación apenas guiada por un xilófono que sirve de intro para el funk de ‘Don’t Wanna Fight’, un pepinazo que se erige en el indistutible hit del disco gracias, sobre todo, a su pegadizo estribillo y a su irresistible sentido del groove. Así pues, como ya desde el inicio apuntan, efectivamente en su segundo trabajo Alabama Shakes expanden sus horizontes estilísticos virando hacia la música negra (soul y R&B especialmente) y centrando el protagonismo en la portentosa voz de Brittany Howard, capaz de mostrarse tan frágil como el cristal en la mágica ‘Future People’ o rugir furiosa en la desgarradora y bluesera ‘Gimme All Your Love’, otro par de temazos.

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Alabama Shakes – ‘Gimme All Your Love’

En su faceta más ligada al rock de raíces Alabama Shakes también continúan dándonos motivos para disfrutar, ya sea con medios tiempos clasicotes (‘Dunes’ o la más vaporosa y de ritmo casi reggae ‘Guess Who’), con baladas (‘This Feeling’ o la pasional ‘Miss You’), con piezas al estilo Kings Of Leon (‘Shoegaze’) o con esa divertidísima y eléctrica gamberrada de country punk que es ‘The Greatest’.

La lástima es que cierren un álbum tan notable con las dos canciones más flojas. ‘Gemini’ es el tema más arriesgado y puede que también su mayor patinazo: más de seis minutos de una especie de soul psicodélico, tremendamente lento, que en ningún momento atrapa y que se alarga más de lo debido. Es como el compendio de todas las nuevas pinceladas que le han querido dar a su estilo (canciones algo más ambientales, música más ‘negra’, sonidos más glam) pero mal empleados. Por último, el anodino R&B de ‘Over My Head’ deja peores sensaciones que las que sin duda ofrecen la mayoría de canciones del álbum.

Salvo los deslices de este último par de canciones, ‘Sound & Color’ se trata de un muy buen disco que mantiene el nivel del debut de Alabama Shakes. Un sonido más cuidado, cierta sofisticación en su estilo y nuevos toques de ese innato groove afroamericano de la cantante y guitarrista Brittany Howard se añaden al cóctel de soul y rock sureño que tanto nos agradó del primer trabajo de Alabama Shakes, permitiéndole al grupo evolucionar sin perder ni un ápice de interés o de identidad.

La banda mantiene además la autenticidad y la pasión por lo que tocan, y Brittany Howard se consagra como lo que tarde o temprano se le reconocerá: una diva contemporánea. Su voz y su fuerza son todo un descubrimiento que, solo por su presencia, hacen este disco todavía más recomendable.

El veredicto:
Lo mejor: ‘Don’t Wanna Fight’, ‘Future People’, ‘Gimme All Your Love’, ‘The Greatest’, ‘Miss You’

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Crónica: Limbotheque, concierto en Valencia (19-04-2015)

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Limbotheque durante su concierto de presentación de Crash en la Fnac de San Agustín de Valencia.

Lo valencianos Limbotheque se dieron cita ayer por la tarde en la Fnac de San Agustín para presentar ante el público ‘Crash’, su cuarto álbum de estudio publicado a finales del pasado año. Tras varios bolos por ciudades de la mitad oriental de la península el grupo ha vuelto ahora a la terreta para seguir dándole recorrido a un disco notable que, sinceramente, no ha tenido la repercusión que merece a nivel nacional, cosa que no entiendo a tenor de la calidad musical que tienen a todos los niveles (instrumental, vocal, melódico, interpretativo…).

El espectáculo (gratuito además) arrancó poco más tarde de las 19:00, con el fórum lleno y al ritmo de la propia ‘Crash’, el tema que da nombre al trabajo que presentaban y que culmina con un tremendo solo del guitarrista David García. Al frente del grupo, cómo no, Carol García, nuestra Imelda May regional. La vocalista dio toda una lección de cómo cautivar al personal con desparpajo, con actitud, con ese toque teatral que siempre le da a sus interpretaciones y por supuesto con el chorro de voz que tiene y que ayer sacó a relucir como es costumbre en ella.

La propia Carol comentó al principio del concierto que con ‘Crash’ han tratado de ‘romper’ con lo que llevaban haciendo hasta el momento (o no), y en cierto sentido es cierto. En su nuevo álbum Limbotheque acercan su música a sonoridades más contemporáneas y le dan más peso a las guitarras sin descuidar el característico toque folklórico de todas sus composiciones. De esta manera, aún sonando más ‘radiables’ (por decirlo de algún modo), no renuncian a sus raíces y siguen siendo una caja de sorpresas, una coctelera de géneros en la que caben acercamientos al country (‘HHH’), al folk de ambiente celta (‘Nube’), al vodevil (‘Cinema’) y sobre todo a ese jazz cabaretero cercano al rock & roll tan divertido que facturan y que se ha convertido en santo y seña de su ecléctica identidad (‘On The Floor’, ‘El Ataque De La Mujer Pantera’, ‘Amor Recargable’).

A lo largo de la hora que duró el concierto también hubo espacio para que Limbotheque repasaran algunos temas significativos de sus anteriores trabajos, como ‘Mesonge On Y Va’, ‘Oh! Baby’, ‘Whisky Is My Drink’ o ‘Mon Diable’. La despedida llegó de la mano de una sorprendente y convincente versión en clave gypsy del ‘Creep’ de Radiohead (nada menos) y de la intensísima ‘Freud’, una canción también de su último disco en la que Limbotheque nos saca a la pista de baile hasta que el cuerpo aguante.


Carol, vocalista de Limbotheque, en un instante de su actuación en la Fnac de Valencia.
Fotografía de Raffaella Mazzetti extraída del Facebook del grupo.

La verdad es que fue un concierto estupendo que no hizo más que volver a demostrar lo buena banda que son Limbotheque y lo mucho que ganan en directo gracias a la brillantez de sus músicos y al derroche de carisma, encanto, expresividad y voz que tiene Carol. Para repetir.

Nota: Podéis escuchar al completo ‘Crash’, el nuevo disco de Limbotheque, en el Bandcamp del grupo pinchando aquí. Y si os gusta, ya sabéis: compradlo o id a sus conciertos.

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