Crónica: Limbotheque, concierto en Valencia (19-04-2015)

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Limbotheque durante su concierto de presentación de Crash en la Fnac de San Agustín de Valencia.

Lo valencianos Limbotheque se dieron cita ayer por la tarde en la Fnac de San Agustín para presentar ante el público ‘Crash’, su cuarto álbum de estudio publicado a finales del pasado año. Tras varios bolos por ciudades de la mitad oriental de la península el grupo ha vuelto ahora a la terreta para seguir dándole recorrido a un disco notable que, sinceramente, no ha tenido la repercusión que merece a nivel nacional, cosa que no entiendo a tenor de la calidad musical que tienen a todos los niveles (instrumental, vocal, melódico, interpretativo…).

El espectáculo (gratuito además) arrancó poco más tarde de las 19:00, con el fórum lleno y al ritmo de la propia ‘Crash’, el tema que da nombre al trabajo que presentaban y que culmina con un tremendo solo del guitarrista David García. Al frente del grupo, cómo no, Carol García, nuestra Imelda May regional. La vocalista dio toda una lección de cómo cautivar al personal con desparpajo, con actitud, con ese toque teatral que siempre le da a sus interpretaciones y por supuesto con el chorro de voz que tiene y que ayer sacó a relucir como es costumbre en ella.

La propia Carol comentó al principio del concierto que con ‘Crash’ han tratado de ‘romper’ con lo que llevaban haciendo hasta el momento (o no), y en cierto sentido es cierto. En su nuevo álbum Limbotheque acercan su música a sonoridades más contemporáneas y le dan más peso a las guitarras sin descuidar el característico toque folklórico de todas sus composiciones. De esta manera, aún sonando más ‘radiables’ (por decirlo de algún modo), no renuncian a sus raíces y siguen siendo una caja de sorpresas, una coctelera de géneros en la que caben acercamientos al country (‘HHH’), al folk de ambiente celta (‘Nube’), al vodevil (‘Cinema’) y sobre todo a ese jazz cabaretero cercano al rock & roll tan divertido que facturan y que se ha convertido en santo y seña de su ecléctica identidad (‘On The Floor’, ‘El Ataque De La Mujer Pantera’, ‘Amor Recargable’).

A lo largo de la hora que duró el concierto también hubo espacio para que Limbotheque repasaran algunos temas significativos de sus anteriores trabajos, como ‘Mesonge On Y Va’, ‘Oh! Baby’, ‘Whisky Is My Drink’ o ‘Mon Diable’. La despedida llegó de la mano de una sorprendente y convincente versión en clave gypsy del ‘Creep’ de Radiohead (nada menos) y de la intensísima ‘Freud’, una canción también de su último disco en la que Limbotheque nos saca a la pista de baile hasta que el cuerpo aguante.


Carol, vocalista de Limbotheque, en un instante de su actuación en la Fnac de Valencia.
Fotografía de Raffaella Mazzetti extraída del Facebook del grupo.

La verdad es que fue un concierto estupendo que no hizo más que volver a demostrar lo buena banda que son Limbotheque y lo mucho que ganan en directo gracias a la brillantez de sus músicos y al derroche de carisma, encanto, expresividad y voz que tiene Carol. Para repetir.

Nota: Podéis escuchar al completo ‘Crash’, el nuevo disco de Limbotheque, en el Bandcamp del grupo pinchando aquí. Y si os gusta, ya sabéis: compradlo o id a sus conciertos.

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‘Toys In The Attic’ de Aerosmith cumple 40 años

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El mundo del rock está de aniversario pues tal día como hoy, pero hace 40 años (el 8 de abril de 1975), Aerosmith publicaban ‘Toys In The Attic’, la mejor obra de su discografía y el disco que les catapultó definitivamente a la fama además de asentar el sonido y la personalidad del grupo.

Los dos primeros álbumes de la banda, ‘Aerosmith’ y ‘Get Your Wings’, habían logrado computar en la lista de ventas estadounidense sin despuntar y sin llamar excesivamente la atención, pues para muchos Aerosmith no eran más que unos imitadores de los Rolling Stones. Tan solo el single ‘Dream On’, el primer tema que compuso Steven Tyler en su juventud, consiguió cierta repercusión, aunque insuficiente para las aspiraciones y capacidades de la banda. Fue en ‘Toys In The Attic’ donde los planetas se alinearon y la genialidad del grupo eclosionó dando forma a un álbum redondo.

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Aerosmith interpretando en directo ‘Toys In The Attic’ (Sunrise, 2004).

Varios son los factores que propiciaron el éxito de ‘Toys In The Attic’. En primer lugar, la acertada evolución del grupo: sin renunciar al blues y al rock & roll clásico de sus bases, Aerosmith decidieron ir más allá en este disco consiguiendo un sonido más duro y también más moderno para la época, en gran parte gracias a la destacable producción de Jack Douglas.

En segundo lugar, Steven Tyler: el cantante se lo creyó y a partir de este disco comenzó a desatarse vocalmente sin llegar al exagerado histrionismo de los últimos álbumes del grupo. En ‘Toys In The Attic’ es donde Tyler comienza a ser el divo que todos conocemos, adoptando multitud de registros con su expresiva y característica voz pero dando grititos únicamente en su justa medida. Todas las grandes bandas de rock necesitan su frontman y la desvergüenza y versatilidad de Steven Tyler era sin duda algo que Aerosmith necesitaban.

Y por último, las canciones: ‘Toys In The Attic’ es uno de esos discos que pueden escucharse de cabo a rabo disfrutando de todos los temas, porque no flojea en ningún momento. Ya los primeros compases de ‘Toys In The Attic’, el tema con el que arranca el disco, son para poner a cualquiera patas arriba: urgente, guitarrero, con un ritmo construido a base de fogonazos y con la voz de Steven Tyler jugando a entrecruzarse con los punteos de Joe Perry. Genial. No en vano está listada por parte del Rock & Roll Hall Of Fame como una de las 500 mejores canciones de rock & roll de todos los tiempos.

‘Uncle Salty’ y ‘Adam’s Apple’, los cortes más blueseros del disco, preceden dos de los mayores hits del grupo en toda su carrera: ‘Walk This Way’ y ‘Sweet Emotion’. La primera es sencillamente inconfundible, desde el riff inicial hasta su sencillo y eufórico estribillo, pasando por el tremendo solo de guitarra final y por supuesto por el veloz fraseo de Tyler en las estrofas. Este tema conocería posteriormente en los ’80 una aún más popular versión en clave de rap por parte de Run D.M.C., un mestizaje que a la postre le abriría las puertas del mainstream a la cultura hip-hop y se convirtió en pieza clave para el desarrollo de bandas que por aquella época también apostaban, aunque de manera más underground, por el cruce entre rock y rap, como los Red Hot Chili Peppers o Rage Against The Machine.

‘Sweet Emotion’ es otro de esos temas capaces de ser reconocidos al instante gracias a la línea de bajo de Tom Hamilton, a su pausado estribillo en fade in y a sus alocados y guitarreros cambios de ritmo entre estrofas. Esta canción es también una de las más conocidas en cuanto al uso del talk box, un aparatito que se puso de moda en los ’70 para distorsionar los instrumentos con la boca.

Separando los dos temas más famosos del álbum escuchamos ‘Big Ten Inch Record’, versión en clave boogie del tema homónimo que en los años 50 interpretaba Bull Moose Jackson y una divertidísima muestra de las referencias e influencias de la banda. Rock viejo con zapatos nuevos.

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Aerosmith interpretando en directo ‘Walk This Way’ (Sunrise, 2004).

El último tercio de ‘Toys In The Attic’ lo encabeza ‘No More No More’, un temazo de rock & roll stoniano a la sombra de los singles del disco pero sin nada que envidiarles. Le sigue ‘Round And Round’, un tema oscuro y cercano al heavy compuesto por el infravalorado Brad Whitford, un guitarrista rítmico infalible y vital para los solos de Joe Perry a lo largo de toda la trayectoria de la banda. Esta es tal vez la canción más difícil de digerir del álbum por su tono más serio e intrincado, su sonido más pesado y su estructura sin estribillos, pero merece la pena dejarse atrapar por ella.

La bonita ‘You See Me Crying’ cierra el disco. Se trata de una estupenda balada a piano con arreglos de cuerdas que en ningún momento cae en el pasteleo tan recurrente como ridículo de muchos de los temas más aclamados del grupo. Es melancólica, sentida y elegante, y nunca pierde de vista su carácter rockero, como debe ser.

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Aerosmith interpretando en directo ‘No More No More’ (Las Vegas, 2002).

La imagen que la mayoría tiene de Aerosmith es la de un grupo de dinosaurios que componen baladas ñoñas y graban videoclips para la MTV, algo cierto si nos atenemos al último cuarto de siglo de vida de la banda. Con estas referencias da pereza explorar su discografía, lo sé. No obstante, por joyas como ‘Toys In The Attic’ (y ‘Rocks’) es por las que vale la pena adentrarse sin prejuicios en las profundidades de bandas veteranas venidas a menos como Aerosmith.

‘Toys In The Attic’ es un discazo y uno de los mejores álbumes de hard rock de toda la historia, ni más ni menos. No tiene fisuras, es variado, entretenidísimo, adictivo y rockero a más no poder. Además cuenta con un Steven Tyler autodescubriendo sus facultades y con un Joe Perry en estado de gracia, repartiendo riffs memorables y solos de guitarra a diestro y siniestro.

Os animamos a redescubrir este clásico entre los clásicos en su 40º aniversario. Para los amantes del rock & roll esta debería ser una pieza imprescindible de vuestra colección.

El veredicto:
Lo mejor: TODO

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Reseña: Will Butler – ‘Policy’

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Will Butler, multi-instrumentalista de Arcade Fire y hermano pequeño del líder y vocalista principal de la banda canadiense, debuta en solitario con ‘Policy’, el álbum que hoy os comentamos.

Sin conciertos a la vista y todavía sin fecha para comenzar a grabar el sucesor de ‘Reflektor’, parecía el momento adecuado para que Will se aventurara a lanzar sus propias canciones, como así ha sido.

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Will Butler – ‘Take My Side’

‘Policy’ es un brevísimo conjunto de temas (dura apenas 27 minutos) que, más que conformar un álbum, parece una vía de escape para su autor, una excusa para dejar marchar diversas ideas que, tal vez, tenía en su cabeza y no lograron fraguar como canciones para Arcade Fire. O al menos esa es la impresión que causa, ya que hay temas de todo tipo de estilos sin aparente conexión entre ellos, algunas piezas dan la sensación de inacabadas y la producción del disco es escueta y austera, algo que en este caso beneficia el espíritu de inmediatez que predomina en el disco.

Butler sabe lo que tiene entre manos y nos reserva inteligentemente lo mejor para el principio y para el final con ‘Take My Side’ y ‘Witness’. La primera es una canción fresca y luminosa, con un esqueleto bluesero enterrado en guitarras saltarinas, mientras que la segunda vuelve la mirada a los años 60, al rock & roll con piano, al pop coral y a la era de los girl groups. Es otro tema desenfadado, radiante, espontáneo y con un estribillo redondo, la pieza más destacable del álbum.

Si algo caracteriza ‘Policy’ además de su carácter instantáneo es su eclecticismo. Aparte de los temas ya mencionados Will Butler nos ofrece pop electrónico minimalista y con cierto rollo pero bastante monótono en ‘Anna’, guitarreo en ‘What I Want’, y un funk caótico y sinceramente desacertado en ‘Something’s Coming’, el peor corte del álbum. El interesante tono acústico de las estrofas de ‘Son Of God’ se echa a perder en un estribillo impostadamente eufórico que no le pega ni con cola, y de las dos baladas a piano destaca el toque glam de ‘Finish What I Started’ muy por encima de la plana y sosísima ‘Sing To Me’.

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Will Butler – ‘Witness’

Interesante pero irregular, así es como definiría ‘Policy’. El debut de Will Butler es un batiburrillo de ideas con sus buenos momentos pero sin un hilo conductor que ponga algo de orden.

Como hemos dicho, el que Butler no le haya dado demasiadas vueltas a sus canciones le conviene al tipo de música directa y desnuda que factura; pero el caso es que algunas se las ha dejado a medio hacer y eso se nota en el cómputo global del disco, y más siendo tan corto.

En fin, nada que moleste pero tampoco nada por lo que Will vaya a ser recordado. Para pasar el rato y ya.

El veredicto:
Lo mejor: ‘Take My Side’, ‘Witness’

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El Standby cierra sus puertas en Valencia

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Sorprendidos y apenados. Así es como nos encontramos los parroquianos que, en mayor o menor medida, hemos disfrutado a lo largo de 6 años del Standby, el entrañable garito valenciano que anoche anunció su cierre como tal y que tantas y tantas noches nos ha hecho cantar, bailar, saltar, gritar, sudar, emborracharnos y hacérnoslo pasar en grande a base de una medicina que todo lo cura: rock & roll.

Como la Galia en los cómics de Astérix y Obélix, el Standby era (sí, era, en pasado…) uno de los pocos e irreductibles locales de Valencia en los que el rock podía taladrarnos los oídos hasta que los rayos del sol comenzaban a colarse por las rendijas de su persiana. Durante un tiempo, prácticamente el único.

Su adiós nos ha sacudido sin previo aviso. Un breve y directo comunicado a través de su perfil de Facebook explica los motivos, lanza los agradecimientos y recoge los lamentos de sus fieles. Un “cambio en su gerencia” y (se intuye) cierto mal rollo con algún miembro del equipo que pensaba que el Standby era “un local de mala gente, donde las drogas y la violencia estaban a la orden del día” son los causantes de su inesperado cierre. En fin… (Nota: el perfil de Facebook del Standby ha sido borrado. Ahora el comunicado puede leerse en la ‘Asociación de afectados por el cierre de Standby’, un grupo creado a raíz de la noticia).

No vamos a ser tampoco autocomplacientes. El Standby llevaba anquilosado, anclado en sí mismo, muchísimo tiempo; podían adivinarse, por ejemplo, las canciones que iban a sonar a lo largo de la noche, y en ocasiones incluso su orden. Es precisamente por ese perpetuo standby (valga la redundancia) en el que permanecía el local, por el que yo personalmente ya tan solo trasnochaba entre sus paredes muy de tanto en tanto. Pero también es cierto que eso era lo que lo hacía tan particular y tan especial, porque sabías con honestidad lo que te iba a dar, que ni mucho menos era poco.

En sus primeros años, lo quemamos. Fines de semana enteros recorriendo la mítica ruta Phenomenon–Aguacates–Standby, un trayecto que prácticamente podíamos hacer a ciegas (y ciegos). Desde que abrió sus puertas, en esta otrora discoteca de electro latino nos hemos bebido gran parte de nuestra juventud a base de cubatas baratos, cervezas aún más económicas y rock para todos los gustos, pues lo mismo sonaba el ‘Twist And Shout’ de los Beatles como ‘The Trooper’ de Iron Maiden, la versión de ‘Libre’ del Chaval De La Peca como ‘El Roce De Tu Cuerpo’ de Platero Y Tú. Y siempre, siempre, SIEMPRE, el ‘Comerranas’ de Seguridad Social xD

Pero lo mejor sin duda era su gente, el ambiente, el buen rollo predominante, la sensación de gran familia que nos invadía a todos cuando saltábamos con desconocidos que el fin de semana siguiente ya no lo eran tanto. Esas caras…

Actualmente, como ya he dicho, ni yo ni mis colegas lo frecuentábamos tanto… pero siempre lo teníamos en mente y actuaba a modo de improvisado salvavidas en cualquier noche de parranda: “- Aquí ya están chapando, ¿dónde vamos…?, – Al Standby”; “- Se ha acabado la verbena, ¿ahora qué…?, – Al Standby”… Y cuando estábamos de subidón, borrachos perdidos en cualquier otro lugar, siempre había alguien que soltaba: “¡Todos al Standby!”.

Grandes momentos, buena música y mejores compañías. Así es como recordaremos el Standby y su mítico baño sin puertas porque, ¿qué más daba? Había confianza.

No sabemos el futuro que le depara al local, ni el rollo que tendrá ni las canciones que sonarán a partir de ahora; lo único cierto es que echa el cierre un espacio que una generación de rockeros valencianos guardaremos por siempre en nuestra memoria, esbozando una cómplice sonrisa cada vez que recordemos alguno de los instantes y anécdotas allí vividas. Este finde es el último, que sea memorable.

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Extremoduro – ‘Standby’

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Reseña: Mujeres – ‘Marathon’

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Hay bandas que da igual lo que hagan: hay que adorarlas y punto. Mujeres es uno de esos grupos y su nuevo trabajo, ‘Marathon’, nos ofrece un nuevo motivo para que sigamos siendo fieles devotos de su rock & roll.

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Mujeres – ‘On & On’

El sonido del tercer larga duración de estos barceloneses, más compacto, perfeccionista y con guitarras algo más musculosas que en sus anteriores álbumes, aproxima al oyente, en cuanto a sensaciones, a la potencia cercana al punk de sus directos. En lo concerniente a las canciones las cosas siguen como de costumbre: temas de menos de 3 minutos directas al estómago.

Darle al play a este disco y encontrarse de golpe y porrazo con las arrolladoras y garajeras ‘Lose Control’, ‘Feels Dead’ y ‘On & On’ es para volarle la tapa de los sesos hasta al más impasible. Y como estas la espídica ‘Radiant Border’ y una ‘Night Bloom’ que retoma, a través de su ritmo trotón y de un infeccioso y pegadizo riff de guitarra, ese ligero toque americano que impregnaba buena parte del primer álbum del cuarteto.

Eso en cuanto al lado más rocanrolero y gamberro del disco. Por otra parte, en temas como ‘I Wonder’, ‘Perpetual Motion’, ‘She Brought The Darkness’ o ‘Golden Lane’ Mujeres se muestran un puntito menos desatados pero especialmente inspirados armónicamente. Se trata de canciones con evidente gancho melódico y de referencias sesenteras, otra de las vías que continúan explorando con acierto en ‘Marathon’. Y dentro de este apartado cabe mencionar especialmente ‘Vivir Sin Ti’ y ‘Galgo Diamante’, dos preciosidades cantadas en castellano y a caballo entre el yeyé y el power pop. Melancólicas, pasionales, sutiles… Una delicia a la altura de la maravillosa ‘Aquellos Ojos’.

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Videoclip de ‘Vivir Sin Ti’, de Mujeres.

Fantástico tercer disco de Mujeres. Cierto es que el esqueleto de varios de sus temas parecen cortados con el mismo patrón, pero el grupo le sabe dotar a sus canciones de ganchos, riffs, buenos versos y suficientes matices como para que este único pero que se les podría achacar quede sepultado por sus mucho más evidentes virtudes.

‘Marathon’ compagina guitarrazos, buenas melodías y diversión asegurada, todo en uno y en apenas media hora. De momento llevan tres álbumes así, por lo que están a punto de hacer póker de discazos. Y si no los habéis visto aún en directo os aseguro que debéis aprovechar la gira nacional que comienzan mañana mismo y que aterrizará en Valencia el próximo viernes 3 de abril en el MBC Fest (podéis consultar todas las fechas pulsando aquí).

Nota: Podéis escuchar ‘Marathon’ al completo en el Bandcamp del grupo pinchando aquí o en el Soundcloud de Canada Editorial pinchando aquí.

El veredicto:
Lo mejor: ‘Lose Control’, ‘Feels Dead’, ‘Vivir Sin Ti’, ‘Night Bloom’, ‘Galgo Diamante’

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Reseña: Noel Gallagher’s High Flying Birds – ‘Chasing Yesterday’

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Después de lanzar en 2011 su primer disco en solitario al margen de Oasis, Noel Gallagher entró en una especie de letargo en el que, en cierto modo, se mantiene musicalmente hablando. Escuchando ‘Chasing Yesterday’ uno siempre tiene la sensación de que en su nuevo álbum el guitarrista mancuniano no se ha calentado mucho la cabeza y ha ido a lo seguro, al mismo tipo de canciones y melodías que lleva componiendo durante los últimos 20 años. Al menos en un 90%.

El 10% restante, ese resquicio que proporciona algo de novedad, proviene presumiblemente de su anunciada colaboración con el dúo experimental Amorphous Androgynous (The Future Sound Of London), una colaboración que se produjo pero que nunca llegó a fraguar discográficamente. Fruto de esta relación Noel Gallagher se empapó de nuevos sonidos que le han permitido dotarle a muchas de sus nuevas canciones de sutiles pero sensibles toques ambientales que enriquecen su acabado final. El ejemplo más evidente es ‘The Right Stuff’, un hipnótico tema a caballo entre el jazz y el lounge que remite a los Radiohead post-‘OK Computer’; pero también encontramos esta nueva y brumosa pátina en la estupenda ‘Riverman’, en ‘The Girl With X-Ray Eyes’ (que comienza haciéndole un guiño a ‘The Masterplan’ para terminar recordando la cadencia del mítico ‘Hotel California’ de los Eagles) o en ‘While The Song Remains The Same’, a la postre los mejores momentos del álbum.

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Noel Gallagher interpretando en directo ‘Lock All The Doors’ (Düsseldorf, 2015).

El ‘sonido Oasis’ más evidente lo encontramos en la acertadísima y cañera ‘Lock All The Doors’ (un tema escrito por el propio Noel en 1992) y en la irrelevante ‘The Dying Of The Light’, una balada a lo ‘Wonderwall’ pero muchísimo más insípida y que amuerma el segundo tercio del disco. Tampoco aporta demasiado ‘The Mexican’, un tema algo repetitivo, adornado con trompetas y vertebrado por un riff de guitarra musculoso pero bastante simple.

En la resultona y festivalera ‘You Know We Can’t Go Back’ nos encontramos a un Noel jugando a ser The Killers, mientras que el single ‘In The Heat Of The Moment’ nos hace dudar de si estamos escuchando un disco de un ex–Oasis o más bien uno de Blur (esos “nanana” son tan Damon Albarn…). ‘Ballad Of The Mighty I’ concluye el álbum de forma correcta, funcionando mejor como cierre que como single independiente. Eso sí, la guitarra de Johnny Marr (The Smiths) es tan imperceptible que si no nos dicen que colabora ni nos damos cuenta…

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Videoclip de ‘Balld Of The Mighty I’, de Noel Gallagher’s High Flying Birds.

‘Chasing Yesterday’ está bien. Hay momentos notables y otros más planos, buenas canciones mezcladas con otras más olvidables… pero en general, y pese a algunos altibajos, el resultado del conjunto tiene interés. El sonido más etéreo y espacial que ha logrado Noel Gallagher en su nueva entrega es lo más novedoso de un álbum que, compositivamente, bebe con cierta nostalgia de los años 90 británicos y podría entrar en el saco del ‘más de lo mismo’. Es precisamente ese sonido y la presencia de temas más espaciados, que se toman su tiempo para desarrollarse, los que dan pistas de hacia dónde podría encaminarse Noel en próximos trabajos, algo que aquí ha apuntado pero con miedo a abandonar su zona de confort.

También podría tildársele al guitarrista de estancado, aunque yo prefiero calificarlo de acomodaticio, y sobre todo de fiable. Noel no nos da más, pero tampoco nos da menos. Corre el riesgo, eso sí, de comenzar a ser intrascendente si continua por vías musicales tan manidas y transitadas, pero de momento sigue en el mapa. ¿Es perfecto? No, pero no falla.

El veredicto:
Lo mejor: ‘Riverman’, ‘The Girl With X-Ray Eyes’, ‘Lock All The Doors’, ‘While The Song Remains The Same’

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Reseña: Puma Pumku – ‘Is It In You?’

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‘Is It In You?’ es el título del debut de Puma Pumku, un quinteto gallego que aterriza este fin de semana en la sala Magazine de Valencia para darle una bienvenida alternativa a las Fallas. ¿Y cómo nos hemos enterado de su existencia? Pues gracias a que se pusieron a seguirnos en Twitter. Algunas bandas lo hacen de vez en cuando (supongo que para que les prestemos atención), pero muchas veces la falta de tiempo, o simplemente que estos followers fugaces no llegan a cuajar en nuestros oídos, nos impiden dároslos a conocer. Sin embargo, esta vez no podíamos dejar escapar la ocasión de hablar de Puma Pumku.

Producido por Rodrigo Caamaño y Roberto Mallo (Triángulo de Amor Bizarro), ‘Is It In You?’ es un muy interesante compendio de sonidos psicodélicos en el más amplio sentido del concepto. Etiquetarlos en uno u otro estilo sería pecar de reduccionismo, ya que en su primer álbum encontramos toques de rock psicodélico, dream pop, krautrock (muy destacable ‘Twilight Of The Mind’, en la onda de bandas como Lüger), space rock, indie pop… incluso también se cuelan pinceladas del sonido Madchester (en ‘Liquid Skies’, por ejemplo, vuelven la mirada hacia los Stone Roses más ácidos).

Otra referencia básica para adentrarse en la propuesta de Puma Pumku es Syd Barrett. Los ecos, el sonido cósmico y el ambiente envolvente de algunos pasajes de ‘Days’, ‘A Window In Time’ y sobre todo de la estupenda ‘And Now She Knows’ remiten a las idas de olla sónicas de los primeros discos de Pink Floyd, siempre con un asentado sentido melódico.

Las emociones más fuertes las encontramos hacia el final, en la segunda mitad del disco, en el crescendo progresivo de ‘Lebensraum’ y en la más cafre y desatada ‘The Edge’.

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Puma Pumku interpretando en directo ‘Twilight Of The Mind’.

Notable el debut de Puma Pumku. Sus canciones exploran diversas facetas de la psicodelia con acierto y en estudio el grupo suena realmente bien. Vale la pena pues acercarse mañana sábado 14 de marzo a la sala Magazine para comprobar si en directo, en compañía de My Expensive Awareness y Mental Signals, son capaces de transportarnos a esos lisérgicos parajes que esbozan sus sonidos (más información sobre el concierto si pincháis aquí).

Nota: Podéis escuchar ‘Is It In You?’ en el Bandcamp del grupo pinchando aquí.

El veredicto:
Lo mejor: ‘Twilight Of The Mind’, ‘Lebensraum’, ‘The Answer Lies Within’, ‘And Now She Knows’

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Muse presentan ‘Psycho’, el primer single de su nuevo disco ‘Drones’

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Estaba anunciado para hoy y así ha sido; a las 19:30 Muse han dado a conocer ‘Psycho’, el primer single de su séptimo álbum titulado ‘Drones’ y que saldrá a la venta el próximo 8 de junio. La canción, como podéis ver a continuación, viene acompañada de su correspondiente videoclip:

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Videoclip de ‘Psycho’, de muse.

Sensaciones encontradas son las que produce ‘Psycho’. Que Muse hayan vuelto a la senda rockera es una buena noticia, y también es un punto a favor del tema ese riff tan potente y musculoso que estructura la canción, característico de cuando Muse molaban. Pero…

Son más los aspectos de la canción que nos dejan descontentos. El riff, como han apuntado nada más escuchar el tema algunos fans, es un refrito de un outro con el que solían cerrar ‘Stockholm Syndrome’ hace algunos años y además se repite hasta la saciedad. El ritmo y el fraseo de las estrofas parecen también un remedo de ‘Uprising’ (¿falta de inspiración?). La estructura del tema es completamente convencional (estrofa, estribillo, estrofa, estribillo…) y no da opción a sorpresas. Y la letra… ¡Ay, la letra! Ese “Your ass belongs to me” del estribillo produce vergüenza ajena y va a dar pie a muchas coñas…


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